Inland Empire (2006): Kritik

Inland Empire aus dem Jahre zweitausendsechs ist kein Film, den man einfach schaut. Es ist ein Film, den man durchlebt, durchleidet und manchmal durchschwitzt. David Lynch hat hier etwas geschaffen, das nicht mehr viel mit dem klassischen Kino zu tun hat. Keine klare Handlung, keine nachvollziehbare Figurenentwicklung, keine Auflösung. Dafür aber drei Stunden voller Fragen, Störungen, Stimmungen, Identitätskrisen und dunkler Korridore, aus denen man nie ganz wieder rauskommt. Und das meine ich als Kompliment.

Nikki verliert den Halt

Im Zentrum steht Nikki Grace, eine Schauspielerin, die die Hauptrolle in einem Film übernimmt. Dieser Film-in-Film basiert angeblich auf einem polnischen Projekt, das nie abgeschlossen wurde – weil es verflucht war. Klingt nach einem netten Mystery-Aufhänger, aber dieser Ausgangspunkt ist nur der Einstieg in ein Labyrinth. Nikki beginnt sich in ihrer Rolle zu verlieren. Oder ihre Rolle beginnt, sie zu übernehmen. Oder sie war nie sie selbst, sondern schon immer jemand anderes, der dachte, er wäre Nikki. Der Film beantwortet diese Fragen nicht. Er stellt sie auch kaum direkt. Er zeigt sie einfach. Und lässt einen damit allein.

Eine emotionale Logik

Was ich an Inland Empire liebe, ist, wie wenig Rücksicht er nimmt. Er will nicht gefallen. Er will nicht erklären. Er will fühlen, verstören, aufwühlen. Schon nach zehn Minuten wird klar, dass hier andere Regeln gelten. Der Film ist fragmentiert, springt zwischen Szenen, Figuren, Zeitebenen und sogar Realitäten. Manchmal ohne Übergang. Manchmal mitten im Satz. Und doch entsteht ein ganz eigener Rhythmus, eine emotionale Logik, die sich langsam aufbaut. Wer den Film mit der Erwartung schaut, ihn irgendwann ganz zu durchdringen, wird scheitern. Wer sich aber auf seine Atmosphäre einlässt, bekommt etwas, das weit über eine gewöhnliche Filmerfahrung hinausgeht.

Digitale Nähe

Lynch hat Inland Empire komplett mit einer digitalen Handkamera gedreht. Die Bilder sind körnig, teils verrauscht, oft ungeschönt. Und das funktioniert hervorragend. Es fühlt sich an, als würde man direkt in den Kopf der Hauptfigur blicken. Die Kamera ist nah dran, manchmal unangenehm nah, manchmal so verwackelt und verzerrt, dass man kaum noch erkennt, was man da sieht – aber genau das passt. Der Look wirkt wie der visuelle Ausdruck eines Geisteszustands, der langsam aber sicher zerfällt. Es gibt keine Distanz, keine Ästhetisierung, nur ein Gefühl: Du bist mittendrin.

Laura Dern

Und dann ist da Laura Dern. Ihre Leistung in diesem Film ist für mich eine der mutigsten, eindringlichsten, ehrlichsten Darstellungen, die ich je gesehen habe. Sie spielt nicht nur eine Figur. Sie spielt zehn. Oder zwanzig. Oder eine, die glaubt, jemand anderes zu sein, der wiederum eine dritte Person spielt. Dabei verliert sie nie die Kontrolle – auch wenn ihre Figur sie verliert. Ihre Mimik, ihre Körpersprache, ihre Stimme: alles in Bewegung, alles im Wandel. In manchen Szenen habe ich fast vergessen, dass ich ihr zuschaue – es fühlte sich an, als würde sie mich anschauen. Direkt. Durch den Bildschirm. Und das ist verdammt selten.

Räume als Bedrohung

Was den Film so beunruhigend macht, ist nicht, was er zeigt, sondern wie er es zeigt. Ein dunkler Flur kann hier angsteinflößender sein als jeder Schocker in einem Horrorfilm. Eine geschlossene Tür. Eine Stimme aus dem Off. Ein Fernseher, auf dem sich eine Szene wiederholt. Lynch nutzt den Raum wie ein Instrument – alles wird zur Bedrohung, zur Bedeutung, zur Fläche für Projektionen. Dabei ist der Horror nie konkret. Keine verlässliche Einordnung der Gefahren. Und doch hatte ich durchgehend dieses Gefühl: Hier stimmt etwas nicht. Und ich werde es nicht herausfinden.

Zeit ohne feste Ordnung

Was mich wirklich fasziniert, ist, wie der Film mit Zeit umgeht. Szenen dauern länger, als man erwartet. Manche wiederholen sich. Manche verändern sich beim zweiten Auftauchen. Es gibt keine klassische Chronologie. Alles wirkt wie ein Traum, in dem Orte ineinander übergehen und Erinnerungen sich vermischen. Und irgendwann merkt man: Der Film will keine Geschichte erzählen – er will einen Zustand vermitteln. Einen inneren Bruch. Einen Kontrollverlust. Und das gelingt ihm. Ich saß nach dem ersten Sehen da, völlig durch, aber auch irgendwie ergriffen. Als hätte mir jemand den Spiegel hingehalten – aber so, dass ich mich selbst kaum noch erkannt habe.

Die Kaninchen

Ein besonderes Element sind die Kaninchen. Drei Figuren in Hasenkostümen, die in einem Wohnzimmer sitzen, kryptische Sätze austauschen, begleitet von Sitcom-Lachern. Komplett absurd. Komplett unheimlich. Ich weiß nicht, was sie bedeuten. Vielleicht sind sie ein Kommentar auf Fernsehkultur. Vielleicht auf Wiederholungen, auf Rollenklischees, auf die Leere hinter der Routine. Vielleicht sind sie einfach nur da, um zu zeigen: In dieser Welt gibt es keine Sicherheit. Und das funktioniert.

Ton als zweite Bildebene

Auch der Einsatz von Sound ist außergewöhnlich. Lynch nutzt Geräusche, Hall, Stille, Rückkopplungen – manchmal subtil, manchmal brutal direkt. Der Ton wird hier zur zweiten Bildebene. Ich habe Szenen erlebt, in denen das Bild fast nebensächlich war, weil der Ton so dominant, so aufwühlend war. Stimmen aus dem Off, verzerrte Musik, elektronische Drones – der ganze Film klingt, als würde er unter Strom stehen. Und das macht ihn so intensiv.

Eine Krise der Rollen

Gleichzeitig ist Inland Empire für mich auch ein Film über das Frausein. Über das Gesehenwerden. Über das Funktionierenmüssen in einem System, das keine Identitäten kennt, nur Rollen. Nikki ist nicht nur Schauspielerin, sie ist Projektionsfläche. Und je länger der Film dauert, desto klarer wird: Ihre Krise ist keine persönliche. Sie ist strukturell. Sie ist eingebaut. In die Geschichte. In die Branche. In das Medium Film selbst.

Im Sog

Nach ungefähr zwei Stunden verliert man das Zeitgefühl. Und das ist gut so. Denn das Ziel ist nicht, dass man irgendwo „ankommt“. Das Ziel ist, dass man mittendrin ist. Im Moment. Im Sog. Im Nebel. Lynch entzieht einem alles, worauf man sich normalerweise verlässt: Erklärungen, Übergänge, Genre-Logik. Und genau das ist die Stärke dieses Films. Er traut seinem Publikum etwas zu. Nicht im Sinne von „Versteht das mal“, sondern eher: „Fühlt das mal.“

Ein offenes Ende

Das Ende ist kein Ende im klassischen Sinn. Eher ein langsames Ausklingen. Eine Reihe von Szenen, die sich anfühlen wie ein Aufwachen – oder ein weiteres Traumfragment. Keine Auflösung, keine Lösung, keine Entschlüsselung. Dafür aber ein Gefühl von – ich weiß nicht – Akzeptanz? Frieden? Oder einfach nur: Erschöpfung. Und genau das ist der Punkt. Inland Empire gibt nichts vor. Es lässt offen. Und das ist mutig.

Nicht vollständig verstanden

Ich habe diesen Film nicht vollständig verstanden. Und ich glaube, genau das ist seine größte Qualität. Er will nicht verstanden werden. Er will erlebt werden. Und zwar nicht als Produkt, sondern als Prozess. Als Einladung, sich selbst ein Stück weit zu verlieren. Wer das aushält, bekommt ein Kinoerlebnis, das lange nachwirkt – nicht als Handlung, sondern als Zustand. Als Bruch. Als Frage.

Fazit

Und wenn mich jemand fragt, ob ich ihn empfehlen würde, sage ich: Nur, wenn du bereit bist, dich drei Stunden lang in etwas reinzuschmeißen, das dir nichts garantiert. Aber wenn du es tust, dann wirst du etwas mitnehmen, das die meisten Filme nicht mal versuchen zu geben. Kein Abschluss. Keine Antworten. Aber eine Erfahrung. Und das ist, finde ich, mehr als genug.